flotsam books（フロットサムブックス）

1977年、Stephen Shore（スティーブン・ショア）は、ニューヨーク州、ペンシルバニア州、オハイオ州東部など、後に「ラストベルト」と呼ばれることになる産業衰退の真っ只中にある地域を旅しました。
ショアは、工場閉鎖で職を失った鉄鋼労働者たちと出会い、突然壊れてしまった彼らの世界を撮影しました。
荒廃した工場、寂れたバー、減少する大通り、、愛情を込めて飾られた家などです。
これらの写真には、繁栄していたアメリカの中流階級が悲惨な衰退の崖っぷちに立たされている様子が映し出されています。希望と絶望の両方が、店先や家の中、そしてショアの4x5インチのカメラに対峙する人々の苦悩に満ちた表情の裏に、落ち着きなく潜んでいます。

ウォーカー・エヴァンスの流れを汲むフォーチュン誌の拡大写真レポートとして依頼されたショアの多面的な調査は、その後数年間で政治的な注目を集めるようになりました。
ショアが撮影した労働者、組合幹部、家族などの被写体は、彼の訪問の前年にはジミー・カーターに投票していたが、今では新大統領に幻滅し、民主党を捨てて「レーガン民主党員」になる運命にあることがわかりました。

世界的に著名な写真家の一人が撮影した魅力的な写真を通して、「Steel Town」は、私たちにとって今まで以上に重要な意味を持つ時代と場所を描き出しています。

Tell me a story.（物語を聞かせてください）
In this century, and moment, of mania,（熱にうかされたこの時代、この瞬間を）
Tell me a story.（物語を聞かせてください）
Make it a story of great distances, and starlight.（はるか遠いかなたの星明りの物語を）
The name of the story will be Time,（その物語に名を付けるなら「時間」）
But you must not pronounce its name.（でも、その名前を発音してはいけません。）
Tell me a story of deep delight.（深い歓喜の物語を聞かせてください）
- Robert Penn Warren（ロバート・ペン・ウォーレン）

Paul Graham（ポール・グラハム）は、「But Still, It Turns」で、写真に対する繊細なテーゼと活性化のためのマニフェストを企画しました。
ここに集められたダイナミックで多様な作品は、現実の見事な絡み合いに対して、恥じることなく、しかし単純ではない献身的な姿勢を提唱しています。
スタジオの芸術性や従来のドキュメンタリーの制限的な要求に誘惑されることなく、これらのアーティストは、シフトしたり、ゆがんだり、分岐したりする制限のないストーリーを語り、ありのままの人生に揺るぎなく対応しています。
収録されているのは、
Gregory Halpernのカリフォルニアの覚醒夢「ZZYZX」、
Vanessa Winshipの「she dances on Jackson」、
Curran Hatlebergの「Lost Coast」
Stanley Wolukau-Wanambwaの豊かで多元的な「One Wall a Web」
死をテーマにしたRichard Choiの「What Remains」
RaMell Rossの幻のドキュメンタリー作品「South County」
Emanuele Bruti と Piergiorgio Casotti の共同プロジェクト「Index G」
Kristine Potterのアメリカの風景と男性性についての幻惑的な探求「Manifest」など。
これらの作品は、調和と啓発的な不協和音の中でまとめられ、グラハムは新しい写真の形を模索しています。
タイトルは、ガリレオが世界の観察を撤回させられた後につぶやいたとされる言葉です。グラハムの言葉を借りれば、ここで見られるのは「全世界の無限の親密さ」です。

「Piedras (Stones)」は、メキシコの写真家Graciela Iturbide（グラシエラ・イトゥルビーデ）が数十年にわたって制作した未発表の作品を展示しています。
イトゥルビーデは6×6判カメラを使って、ある特定の石にレンズの焦点を合わせています。彼女が撮影したものは、時として石のようにはっきりとしたものであっても、イタリアの古い街のように石でできたものであることもあります。
「Piedras」のために、イトゥルビーデはヨーロッパ、アジア、アメリカを何度も旅して作られた多くの白黒画像（美しいだけでなくユニークな写真）を再利用しました。

「Silent Songs 」は、1945年（第二次世界大戦が終結した年）にアグネス・ルイーズ・ディーンによって書かれた『祖母のための歌』に対するClaudia Hans（クラウディア・ハンス）の形式的・概念的な介入から始まります。 ハンスはこれらの文章に介入し、写真や映像で作品を補完することで、祖母の人生の一部、ホロコーストの間に起こったこと、祖父母のメキシコ移住の話を同時に語り、メキシコの歴史と祖母の出身国であるロシアやポーランドの歴史との並列性を観察することができる現在の作品へと変貌させています。

「68+ 50」は、1968年のメキシコの学生運動と、それが芸術活動にもたらした変化と変容を反映した4つの展覧会（Grafica del 68、Grupo Mirada、Salón Independiente、#NoMeCansare）の作品をまとめたものです。 上記の4つのプロジェクトを合わせると、1968年の学生運動によるメキシコの文化的変化を振り返ることができます。

「Side Walk」は、1982年から1986年にかけてニューヨークで制作されたFrank Horvat（フランク・ホーヴァット）の象徴的なシリーズを、写真家と彼の娘の協力を得て、アーカイブから発見された象徴的な写真と未発表の写真を組み合わせ前例のない旅に読者を連れて行きます。
このパーソナルなシリーズは、彼がファッション写真からより個人的な作品へと移行していく上で決定的なものとなるでしょう。
都会の散歩として、この本は、長年に渡って出現した視覚的な連想に基づいて構想されています。この本は、この作品群の現代性と、カラーリストとしてのHorvatの並外れた才能を示しています。

写真家ホーヴァットは、生涯のうちにアメリカの都市で過ごした時期を記録しており、お気に入りのテーマである、人間、都市の不条理さ、その矛盾した美しさをすでに確認することができます。
彼の日記からの抜粋は、ストリートフォトグラファーとしての彼の問いかけと同様に、ニューヨークでの経験の親密さを読者に伝えています。
また、映画監督アモス・ギタイがこの本のために特別に書き下ろした写真家との架空の書簡は、この多面的なシリーズに新たな光を与えてくれます。

Miguel Rio Branco（ミゲル・リオ・ブランコ）の写真は、ジャン＝ピエール・クリキが本書を構成する百数十点の写真に付随するテキストの中で述べているように。

「私たちに質感と物質の膨大なカタログを提供してくれます。ボードレールは『人工的な楽園』の中で
「都市が拒絶したもの、都市が失ったもの、軽蔑したもの、壊れたものすべてを、彼はラベルを貼って収集する」
と述べている。彼は放蕩と社会の残滓のアーカイブを参照する。彼はそれらすべてを吟味して知的な選択をしている。質感と物質は、ここでは過剰によって特徴づけられる（これはMRBが写真で語る「窒息」を説明している）：あらゆる方向の生命の過剰と、それと切り離せないカウンターパートである----「仕事中の死」。

本書は、1920年代初頭からカラー写真とパノラマ写真の実験を続けてきたオランダ人写真家Leendert Blok（レーンデルト・ブローク）のオートクロームによる花のポートレートを集めたものです。
ブロークはテクスチャーに限りなく近づき、それぞれの花が彫刻になるような独自のアプローチを展開しています。
彼はチューリップ、スイセン、ダリア、ヒヤシンス、花菖蒲、グラジオラスなどを撮影しています。ドキュメンタリー的なアプローチを超えて、最小限の演出で欲望の対象のような花を捉え、光の微妙な遊びがオートクロームのカラフルな色合いを見せています。
淡いトーンと柔らかなブロンズ色は時代を超越した花の世界を想起させ、花冠、花びら、つぼみがキアロスクーロによって昇華されています。暗い背景の中で花が際立っており、オランダの黄金時代の有名なバニタスを連想させます。

フランスのソーヌ・エ・ロワール地方の農村部出身のRaymond Depardon（レイモン・ドゥパルドン）は、ガレット家の家族経営の農場で生まれ育ち、写真家としての道を歩み始めました。
彼は1994年に農場をテーマにした初の同名の本を出版し、批評家から絶賛を浴びました。2020年、写真家にとってこの重要な場所へのオマージュとして、ドゥパルドンは写真室でカラーで撮影された34枚の象徴的なイメージを巡る旅を提供します。
長時間露光の大判ネガは、それぞれのイメージを単一のシーンに変換し、家族の歴史に足跡を残した農場内とその周辺の静かな通路を表現します。見た目には些細なことですが、それが主題になります。椅子、テーブル、壁紙のパターン、それぞれの要素が、過去と現在の間の恒久的な緊張感の中で、私たちを写真家の記憶の中に連れてきてくれます。

この本は、哲学者ジャック・ランシエールがこの本のために特別に書いたエッセイの中で強調しているように、時間との関係と記憶の普遍的な概念を問いかけています。

古き良きパリを代表する写真家Eugene Atget（ウジューヌ・アジェ, 1857-1927）は、1897年から30年以上にわたり、ガラス板を積んだ蛇腹写真機を携えて執拗にパリの街を歩き回り、変化する街の地形を撮影してきました。
本書はパリのカルナヴァレ美術館にあるアジェ・アーカイヴを構成する9164点のプリントの中から146点の写真を集めたものです。
詩的で視覚的な散歩のように考案された『Voir Paris』は、ストリート・トレーダー、露店、ビルの中庭、高級なインテリア、路地、カフェ、地元のボロ屋、都市の庭園、セーヌ川のほとりなど、私たちをタイムマシンのように当時のパリに連れて行きます。
早朝の光を好み、フレーミングを絶対的にマスターし、建物のライン、思いがけないディテールや廃品などに細心の注意を払いながら、独特の世界を展開しています。アジェの作品では、写真はバロック的な装飾を一切排して、部分の総和に還元されています。
正面からの視点と、現実と空想を融合させたヴィジョンによって、アジェは現代の写真を発明したのです。