flotsam books（フロットサムブックス）

写真家のAdam Broomberg（アダム・ブルームバーグ）& Oliver Chanarin（オリバー・チャナリン）は、フォトジャーナリズムとビジュアルアートを融合させ、歴史や時事問題を挑発的で曖昧な解釈で表現することで知られています。

2015年に出版された初の子供向けの本では、このような世界の見方を、ウィットに富んだ遊び心のある写真のABCに変えています。
「Humans and Other Animals」は、ロンドンのFrank Barnes School for Deaf Childrenの生徒とスタッフの協力のもと、英国手話で表現されています。
モノクロの写真、テキスト、明るい色のグラフィックを使って、身近な言葉とその意味を思いがけない形で結びつけ、イメージとテキストの複雑な関係を表現しています。
ブルームバーグとチャナリンのイメージは、ロンドンのゲッティ・アーカイブの写真と相まって、若い読者に「目で聞く」ことを教えてくれるオルタナティブな読書体験となっています。

このドイツ語版は、ブルームバーグとチャナリンによってデザインが変更され、ドイツ語の手話にも対応しています。

「Redlands」は、1960年代から1970年代の不安定な時代に、カリフォルニア、メキシコ、ニューヨークを舞台に、フィリップ・ブルックマンが撮影した親密な写真と短編小説を織り交ぜた作品です。

Philip Brookman（フィリップ・ブルックマン）は、母の死の意味を問うために、農場労働者と詩人の間を行き来し、カリフォルニアとニューヨークを行き来するアーティスト、キップの一人称を、フィクションと自身の写真日記の画像を用いて描いています。姉の証言が信用できないことを知ったキップは、自分の経験に意味を見出すためにカメラを手にします。

フィクションとドキュメンタリーという相反する戦略を並立させ、発明された物語を見つけることで、『Redlands』は論理的な観察の真実性を問い、現実世界の詩を受け入れています。

Robert Polidori（ロバート・ポリドーリ）は、人間が介入した痕跡で飽和した居住地や部屋を大判で撮影することで知られています。「Eye & I」では、30年以上にわたって中東やインドを中心に世界各地を撮影してきた中で出会った人々のポートレートを、レンズの向きを変えて映し出しています。
一瞬にしてお互いを認識し合うポートレートは、撮影された被写体と写真家が、お互いを見守る一瞬の視線の中で交差していることを示しています。

1925年から1938年にかけて、写真家のE. O. Hoppe（エミール・オットー・ホッペ）はドイツ国内を縦横無尽に旅し、ドイツの歴史上最も激動の時代に生きる人々や場所を記録しました。
映画スターや産業界のリーダー、労働者や農民を撮影し、アウトバーンの誕生やUFA映画スタジオの最盛期を捉えました。また、ファシズムが台頭し、広大な郊外が形成され、人々が伝統的な生活様式から離れていく様子も目の当たりにしました。
そして世界的に有名な工場や産業施設への前例のないアクセスにより、未知の世界へと突き進むドイツを目撃しました。

感動的で、洞察力に富み、深い洞察力を持つホッペのドイツでの仕事の意義は、これまで知られていませんでした。
この写真集では、1930年に出版された伝説的な写真集『Deutsche Arbeit』に掲載された写真に加え、未発表の写真を多数収録しています。
ホッペの写真は、工場の現場からベルリンやミュンヘンの通勤者まで、第二次世界大戦前の深刻な社会的・経済的緊張を明らかにしています。

ホッペは、20世紀の写真史において重要な人物であり、現代の写真撮影において重要な要素となっているタイポロジー、連続性、シーケンスの要素を初めて導入しました。
ホッペは、ドイツでの経験をもとに、物の見え方だけでなく、そこにいることがどのように感じられるかを示す、現代的で新しいスタイルの写真を開発しました。

モノクロ写真の巨匠の視点から見た数学モデル。

日本のアーティスト、Hiroshi Sugimoto（杉本博司）の綿密な写真制作は、まるで画家のようです。
杉本博司は、マルセル・デュシャンの空間の力学や作品の数学的基礎へのこだわりや、マン・レイの19世紀の数学模型の写真に触発されて、東京大学で同じような模型を撮影し、ギリシャの記念碑的な彫刻や建築を想起させるような、実物よりも大きくプリントされた、荒々しくも美しい写真を制作しました。
本作品は、杉本が撮影した数学的な写真と、コンピュータ制御の精密なフライス盤で製作されたアルミやステンレス製の数学的モデルを比較対照した初めての書籍です。

本書は、Thibaut Cuisset （チボー・クイゼ）の風景写真を初めて英語でまとめたものです。
クイゼは、過去30年間にわたり、風景、環境、そして領土という概念に特有の問題や感情を探求してきました。
彼は、過去30年間にわたり、風景、環境、領土の概念に特有の問題や感情を探求してきました。クイゼは、広く旅をして多くの国の風景を撮影してきましたが、必ず生まれ育ったフランスの地形とその無限の変化に立ち返ります。

ニュートポグラフィックスの写真家のような現代的な鋭さで、クイゼはフランスの風景を飾り気やノスタルジーなしに捉え、それが歴史的な層と絶え間ない人間の介入の結果であることを明らかにします。
この土地は常に形を変え、変化し続けています。
クイゼの静かなレンズと控えめな色彩の妙技は、時に微妙なプロセスを記録し証明しています。
この写真集に収められたイメージは、静謐で直接的であり、人間の姿がないにもかかわらず、しばしば生命感に満ちています。
これらの写真は、フランスの風景の叙情的なアトラスを形成し、この土地のバランスと激動の状態がいかにも壊れやすいものであることを示しています。

本書は、スイスの写真家Hans Danuser（ハンス・ダヌーザー）の過去35年間の作品を、より広い芸術的・社会的文脈の中で概観したものです。
1970年代末、ダヌーザーは芸術メディアとしての写真の「再発明」に大きく貢献し、アナログ暗室の無数の可能性を通してその発展を形作ってきました。
ベルリンの壁が崩壊し、パワーブロックが崩壊し、グローバリゼーションが始まる前のヨーロッパやアメリカの産業社会の研究・権力の中心地で、当時のタブーをテーマにした93枚のモノクロ写真で、1980年に画期的な作品群「IN VIVO」を発表しました。
社会に影響を与え、変化させるようなテーマは、その後のダヌーザーの大規模な、そしてしばしばサイトスペシフィックなインスタレーション作品の焦点となっています。
コンテンツとメディアの研究に重点を置き、ダヌザーの写真は、黒から白、深い影、過渡的なグレーゾーンなど、あらゆる微妙なニュアンスの光を検証しています。

Stan Douglas（スタン・ダグラス）は、1983年からの輝かしいキャリアの中で、写真は彼の芸術的発展に重要な役割を果たしてきました。
この出版物は、芸術とメディアに対するスタン・ダグラスのアプローチを批評的、歴史的に受け止める上で、写真イメージの重要性を強調しています。
ダグラスが探求する物語、場所、出来事は、大衆的で、文学的で、タイムリーです。ダグラスの写真には、見過ごされてきた文化的アイデンティティーや移動、不正の歴史が描写されていることが多く、それらは現代の出来事と不気味なまでに似ています。
これは、媒体と被写体の両方としての写真への洞察に基づいて達成されています。
写真が呼び起こす記憶と忘却の視覚文化に観客を巻き込むことで、現代文化における写真の偏在性についての深い考察が始まります。スタン・ダグラスの写真は、芸術と写真の歴史における決定的な瞬間において、写真というメディアの有効性と不安定さを確認させてくれます。

Harold Eugene Edgerton（ハロルド・ユージン・エジャートン）は、エンジニア、教育者、探検家、起業家であると同時に、革命的な写真家でもありました。
彼のかつての教え子であり、Life誌の写真家であるジョン・ミリは、「アメリカのオリジナル」という言葉を残しています。
エジャートンの写真は、卓越した工学的才能と美的感覚を兼ね備えており、本書では、彼の代表的な作品100点以上を紹介しています。

「Seeing the Unseen」には、フルーツやカードを切り裂くミルクドロップや弾丸などの象徴的な写真から、あまり知られていませんが、海の生き物やスポーツ選手の活動を撮影した写真まで、さまざまな写真が収められています。
また、エジャートンの実験ノートからの抜粋と合わせて、彼の技術的な妙技と、自然界や人間が作った世界に対する熱意を余すところなく紹介しています。

「James Karales（ジェームズ・カラレス）は最高の時代に大活躍したが、それほど知られていない」と、写真史家のヴィッキー・ゴールドバーグは主張します。
この本はその状況を変えるでしょう。
カラレスはそのキャリアの初期に、南北戦争中に地下鉄道の重要な停車駅であり、1950年代後半のアメリカでは数少ない人種統合されたコミュニティのひとつであるオハイオ州レンドヴィルを記録したフォトエッセイを始めました。
これらの写真は、コミュニティの本質的な性質を捉える彼の素晴らしい能力を示すものであり、1930年代に農業保障局のために制作された写真を彷彿とさせます。また、カラレスが今後何年にもわたって自分とアメリカを悩ませることになる人種問題に取り組んだ精神状態を反映しています。