flotsam books（フロットサムブックス）

オランダとスイスを拠点に活動するアーティスト Batia Suter（バティア・スーター）の展覧会に合わせて ROMA Publications と LE BAL によって共同出版された作品集「Radial Grammar」です。
本書では、自然科学と美術史に関する彼の本のコレクションから撮影された写真が、日常的な物、科学的なアイコン、植物や動物の足跡など、本の空間で互いにつながっています。

この流れは、放射状の形を中心にしたアイコノグラフィックな旅に私たちを引き込みます。
論理も構造も、明確な順序もない中で、瞬時に無秩序が生まれます。これまでのイメージに関する知識や、形や意味にまつわる複雑な連想や参照のシステムが喚起され、同時に裏切られます。バティア・スーターは、ここでも彼女の得意とするテーマ、つまりイメージの現代的状況に立ち返ります。これらのビジュアルシークエンスに驚嘆することで、イメージが持つ力強い影響力が再び私たちに確信させられます。

アメリカのアーティスト Raymond Pettibon（レイモンド・ペティボン）の作品集「To Wit」です。
大胆で鮮やかな線と型破りなフレーミングで統一された作品は、暴力、ユーモア、セックスから文学、青春、美術史、スポーツまで、アメリカのハイカルチャーとローカルチャーの幅広い領域への言及を特徴とし、社会的および政治的な論評、日記の記入、自動描画といったアーティストの特徴的な要素を体現しています。

アメリカの写真家 Tim Barber（ティム・バーバー）のサイアノタイプ作品集「New blues」です。

スペインのアーティストChristina de Middel（クリスティーナ・デ・ミデル）は見る人の内省を促すようなイメージを作り出しています。
メキシコを通る移民ルートに関連する現象を調査した彼女の写真エッセイ「Journey to the Center」は、ジュール・ヴェルヌの有名な小説「地底旅行」に触発された雰囲気と象徴性を持っています。

ストレートなドキュメンタリー写真と構築されたイメージやアーカイブ資料を組み合わせた言語により、物語は多層的になります。
中央アメリカを通る移民ルートは、英雄的で大胆な旅として描かれています。この冒険の舞台であるメキシコは、魅力的で極端な国として紹介されています。

1996年に出版され、大絶賛を浴びたRichard Billingham（リチャード・ビリンガム）の『Ray's a Laugh』は、20世紀初頭の最も重要な写真集のひとつであり、YBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）世代の礎となる作品でもあります。
アルコール中毒と貧困の影響下にあるビリンガムの、しばしば混沌とした実家を捉えた親密な写真で構成されたこの写真集は、編集者のマイケル・コリンズとジュリアン・ジャーメインとともに1990年代に制作されました。

この新版では、ビリンガムのビリンガムが自身の非常に個人的な作品に対して持っていた本来のビジョンを初めて復元しています。
数多くの未公開イメージや、ビリンガムが画家としての訓練を受けたことに影響された独特のシーケンスを含んでおり、『ディレクターズカット』としての役割を果たし、新たな時代に向けて重要かつ一貫して挑戦的な作品を再紹介します。

アメリカの写真家 Mary Frey（メアリー・フレイ）の写真集「MY MOTHER, MY SON.」です。
フレイは、2004 年の写真「My Mother, My Son」をインスピレーションと創作の出発点として使用し、膨大な写真のアーカイブから直線的な時間を崩壊させる絵画的なストーリーを作成します。
フレイは、まったく馴染みがありながらも現実から解放されているように感じられる環境の中で、被写体を親密かつ巧みに捉えています。
私たちの共通の人間性を定義づける家庭的でありふれた儀式と、深く一般的な儀式の交差点をベースとして、『MY MOTHER, MY SON.』の白黒とカラーのイメージを表現し、見る者にとらえどころのない記憶の痕跡を思い出させるものを提示します。
フレイは、死の有限な終着点と残された遺産という人生の謎に触れています。 過去と未来は、現在の一瞬の中で結びつきます。

文脈を変えることで、写真は必然的に新しい意味を獲得します。 「Dictionary」を作成するために、Anne Geene（アンネ・ジーン） はオランダ人写真家の Arjan De Nooy（アラヤン・デ・ノーイ） と協力し、最も一般的に使用される 200 個の英単語のリストと、アーカイブからの 200 枚の「ランダム」イメージを組み合わせました。
各右ページには、単語と写真がランダムに組み合わされています。 その後、ページの絵と単語の間にミシン目が入れられ、読者はすべての単語とすべての絵をリンクできるようになり、視覚的および言語的解釈の無数の可能性が開かれます。
この本は、イメージはどんな文脈でも意味を持ち得るというジーンとデ・ノイの信念の現れです。

オランダの写真家 Anne Geene（アンネ・ジーン） と Arjan De Nooy（アラヤン・デ・ノーイ）は、鳥の科学から得た視覚ツールと写真の特有の特性を組み合わせて、両方に新鮮な視点を与えています。
ジーンとデ・ノイは、疑似科学的アプローチを通じて、鳥の表現や科学には通常存在しないユーモアという層を加えながら、2つの分野の境界を探求します。
彼らの分類は、創造的で連想的な思考を通じてコミカルな結果を形成しますが、科学的手法を使用して、厳密な鳥類学的な対応物からは遠く離れているように見える芸術的な小宇宙も作成します。
著者たちは、鳥の表現の「古典的な」美学から逸脱しています。 これは、2016 年に出版された同名のタイトルの新しい拡張版です。

Motoyuki Daifu（題府基之）は1985年生まれ、神奈川を拠点に活動しています。『Lovesody』(Little Big Man Books、2012年)、『Project Family』(Dashwood Books、2013年) といった写真集を発表し、2014年には国際的な写真賞「Prix Pictet」にノミネートされ、国内外で高く評価されています。

題府は一貫してプライベートを主題に既存の文脈をユーモラスにかき乱すような作品を発表しています。かつての恋人とその息子の関係性を撮影した「Lovesody」、自身のカオティックな家庭環境を被写体にした「Project Family」は、極めて個人的な対象でありながら客観的な眼差しが向けられ、巧みな編集によって構成された作品です。

この度リリースする「STILL LIFE」シリーズも「Project Family」と同様に題府の実家が舞台であり、そのダイニングテーブルの上で撮影が行われています。母の作る料理、スーパーマーケットで購入された食品、カラフルなお菓子のパッケージ、机上に散らばる日用品。
それらの無秩序なアンサンブルは、家族が奏でる不協和音のようであり、俯瞰からフラッシュで撮影され幾何学的な色彩を放ち、見る者の目を惑わせます。そして私たちはお惣菜のパックに記載された賞味期限のラベルによって、日常に引き戻されることになります。ダイニングテーブルにおける日記の要素も孕んだ食卓写真は、日本の秩序と混沌が共存する新しい静物画として成り立っています。

国際的写真家集団「マグナム・フォト」正会員を務めるカナダ人フォトグラファー、Christopher Anderson（クリストファー・アンダーソン）の写真集「COP」です。

クリストファー・アンダーソンがニューヨーク市警の写真を撮り始めたのは、9.11の後でした。
爆弾の爆発防止バリアが設置され、大型の銃を持った警官が至る所にいるように見えました。警備の強化は、ニューヨーカーに安全を感じさせるためでもあったが、何かが深く間違っていることをアンダーソンは思い知らされました。

そして、ウォール街の占拠、エリック・ガーナーの死、トランプの当選をきっかけに、アンダーソンは、より大きな権威に対する無意識の抗議の形として、再びニューヨークの路上で警官の写真を撮るようになりました。