flotsam books（フロットサムブックス）

日本のアーティスト 滝沢広（Hiroshi Takizawa）の2020年rin art associationで開催された個展を元に作られた作品集「The Scene (Berlin）」です。
全編を通して展示風景の写真を背景に実際に展示された作品の図版を貼り付けることによりより立体的に展示を追体験出来るような仕様になっています。
図版の途中途中に段落ごとに挟み込まれる中野拓哉さんによるテキストはモネやマン・レイ、ウォーカー・エヴァンス、シンディ・シャーマンなど美術史に名を連ねる巨匠や古代のギリシヤ彫刻などを引き合いに出しながら滝沢の作品を深く読み解きます。

日本のアーティスト 佐々木成美（Narumi Sasaki）の作品集「● 記録集 JP」です。
2021年LOKO GALLERYで開催された展示の絵画とオブジェを組み合わせた作品や、ドローイング作品などをまとめた作品集です。
ホフマンの小説「ファールンの鉱山」とロシアの民話「石の花」に着想を得た緑に塗られたキャンバスを切り取った奥に石のオブジェが見える作品「その職人はついに帰らなかった」を模した表紙も面白い。
タイトル通り作品には●というか円を描いた多く、渡辺真也さんのテキストによると佐々木さんが描くのは絵画の向こう側にある世界とのこと。繰り返される●は、立体的な作品も平面に描かれたドローイングも物質性を超えてまるであちら側に通じる入口のようにも思えてくる。
渡辺真也さんによる深く作品を読み込んだテキストや奥岡新蔵さんによるインタビューもとても充実した内容です。

Dan Graham（ダン・グラハム）の作品と理論は、コンセプチュアル・アートを語る上で重要な位置を占めています。
現代美術の分野において、実践者として、また著名な批評家や理論家として、非常に大きな影響力を持つ人物です。
彼の作品は、人と建築の関係や、建築が私たちに与える心理的な影響を問いかけています。
その作品は、親密な瞬間や詳細が人目につかない方法で初歩的に放送されたときに生じる気まずさを強調し、自分自身が映っているのを見ながら同時に他人を見るという覗き見のような行為を調査し続けている。
このモノグラフは、彼の主な作品を分析し、彼の重要な文章を集めたものです。

ウィリアム・ブレイクやフランシスコ・ゴヤ、ジェイムズ・アンソールやオディロン・レドンなど、幻想的な人物たちの長い伝統の中で、70年近くにわたって築き上げられてきたJune Leaf（ジューン・リーフ）の並外れた作品群があります。
これらの革新的な先達のように、表現主義とシュルレアリスムの両方の要素を融合させながら、リーフは強烈な主観性と個人的な象徴主義のビジョンを持つ具象的なイメージを創造しています。

表現主義やシュルレアリスムの要素を融合させたリーフの作品は、強烈な主観性と個人的な象徴主義的ビジョンを持っています。
リーフの世界は想像上のものであると同時に、彼女の作品は深く身体的で、物質的に豊かであり、彼女が使用する物や媒体の物理的性質にしっかりと根ざしています。
リーフは、本能と直観に基づいて毎日制作する傾向があります。
新しいテーマやモチーフを生み出すこともありますが、それらは古いテーマから有機的に生まれてくることが多く、彼女が長年かけて開発してきた一連のテーマは、身近にあり、再訪したり適応したりする準備ができています。

「The 21st-Century Art Book」は、2000年以降に制作された現代アートのベストセレクションを紹介する、わかりやすいガイドです。

「The 21st-Century Art Book」は、ランドマーク的存在である「The Art Book」を補完するもので、2000年以降に制作された最高の現代美術をわかりやすく紹介しています。
Jeff Wall, Marlene Dumas, Maurizio Cattelan などの著名なアーティストから、Camille Henrot, Haroon Mirza.などの次世代の新星まで、280人以上のアーティストをアルファベット順に紹介しています。

本書は、禁欲と過剰の間にある陶酔と酩酊の状態が持つ様々な精神的、政治的、心理的、社会的、性的、美的な意味合いを明らかにしています。

古代から現代までの芸術作品は、異なる文化圏を考慮に入れながら、心を変える状態の様々な側面を示しています。
全10章で構成されており、それぞれの章では、恍惚状態のさまざまな側面と、何世紀にもわたって変化してきた恍惚の社会的意義に焦点を当て、異なる文化がどのように恍惚を扱い、表現してきたかを探ります。

コンセプチュアルアーティスト兼教師である John Baldessari （ジョン・バルデッサリ）は、生涯を通じてカリフォルニアを拠点に活動してきました。
1970年代のポストモダン思想の先駆者と言われ、初期のテキストペインティングで注目を集め、写真とテキストを組み合わせた作品を発表してきました。
彼のプロジェクトは、アーティストブック、ビデオ、映画、ビルボード、公共作品など多岐にわたります。
35年以上にわたり、言葉とイメージの関係に関心を持ち続け、不条理を楽しみ、現代美術の理論にアイロニーを指摘してきました。バルデッサリは1970年から版画家としても活躍しています。

本書 「John Baldessari, A Catalogue Raisonne of Prints and Multiples 1971 -2007」は、バルデッセリの膨大な作品群と、このアーティストが世界のアート界に与えた影響を初めて包括的にまとめたものです。

本物と偽物、現在と過去、マーケティングと歴史的責任の間の両義性、さらには21世紀の人間の関心事としてしばしば物議を醸すことなどが、イギリス生まれの現代美術家 SImon Fujiwara（サイモン・フジワラ）の作品の主なテーマです。

これまでで最大かつ最も野心的なインスタレーションであるKunsthaus Bregenzでのアンネ・フランク・ハウスの完全な再構築は、これらのテーマに焦点を当てています。

ドイツ人アーティスト、Blinky Palermo（ブリンキー・パレルモ）の米国初の回顧展では、60点以上の作品が展示され、そのほとんどは北米でこれまでに上映されたことはありませんでした。
1960年代初頭にデュッセルドルフ美術アカデミーでヨーゼフ・ボイスのクラスを卒業した直後に制作されたオブジェや絵画に始まり、晩年にドイツとニューヨークで制作された絵画に至るまで、パレルモの短いながらも重要なキャリアの各段階を、美しい図版で紹介しています。

パレルモの作品は、一般的に「オブジェ」、「布の絵（Stoffbilder）」、「その場で描いた壁画とドローイング」、そして大作「ニューヨークの人々へ」（1976年）を含む後期の「金属の絵」の4つの主要なグループに分けられます。本書では、水彩画、スケッチ、下絵、版画など、作家のキャリアを通じて制作された紙の作品も取り上げています。

アメリカ人アーティスト Robert Ryman（ロバート・ライマン）の作品を過去20年以上にわたって徹底的に調査し、新しい写真と学者やキュレーターによるオリジナル・エッセイを収録した一冊です。
ライマンの絵画間の関係が彼の多様な成果を理解するための鍵であると主張するこの本は、これまで以上に忠実な複製と絵画の微妙な詳細を提供し、アーティスト自身の展示戦略に密接に注意を払います。

ライマンのペインティングは、その無彩色の表面が特徴的ですが、白の価値と効果についての探求は、決して絵具に限ったものではありません。
キャンバス、ボード、紙、アルミニウム、ファイバーグラス、プレキシグラスなどを用いた実験は、白の使用と同様に革新的な素材のボキャブラリーへと発展しました。
ここで紹介するテキストは、現代美術におけるライマンの活動の重要性を反映しています。