flotsam books（フロットサムブックス）

「Driftless」の写真は、写真家のJason Vaughn（ジェイソン・ヴォーン）が、ウィスコンシン州の俗に「Driftless Area」と呼ばれる地域を1年間放浪していた時期に撮影したものです。
ヴォーンの一時的な家は、その人間の住人と同じくらい風景を描写しているように見えます。
そして経験を共有し、一過性の経験の精神を引き継義、共著者でありジャーナリストでもあるBrad Zeller（ブラッド・ゼラー）が最終的なイメージ編集を行いました。
淡々としていながらも世界の疲れを感じさせる彼の言葉の中には、洗練された軽快さが感じられ、絶望よりも希望を感じさせてくれます。

イメージを制作する中で、川のそばに住んでいたことで、人間の経験を新たな方法で考察し、「人が空間を漂い、ある時には宿り、ある時には恒久的なものとなり、ある時には自由になり、新しい場所へと移動するプロセスについて瞑想することができた」とヴォーンは語っています。
ヴォーンとゼラはお互いに助け合いながら、声が一つになるまで物語を紡いでいきます。 瞬間の一瞬一瞬が意味のレイヤーを加え、時間の経過とともに会話から共有された物語へと変化していきます。

オランダのアーティストでありデザイナーでもあるLizan Freijsen（リザン・フライセン）は、不要なものが意味を持つ変容と時間を考察しています。
彼女は都市の自然の一形態を丹念に記録し、私たちの日常の環境の中でゆっくりと変化し成長していくこの浸透性のある現象に名前とカテゴリーを与えることで、汚れを主観的な順序で分類しています。
世界の多くの場所で同じように現れている汚れは、ある正確な場所の歴史を重ねて、部分的に消し去ったものであり、パリンプテストのように読み取ることができます。
フレイセンは、公共空間の湿気や菌類、腐敗の痕跡を探し求めて、膨大な写真アーカイブを作成したが、それは彼女のテキスタイルをベースにした活動のインスピレーションにもなっています。

オランダのヴィジュアル・アーティスト Stephan Keppel（ステファン・ケッペル）の写真集「SOFT COPY HARD COPY (AMSTERDAM)」です。
2018年、ステファン・ケッペルは、彼が住み、仕事をしている街、アムステルダムの作品や物語の収集を始めました。
この街は常に変化しており、目に見えるもの、目に見えないもの、社会的なもの、歴史的な構造物も同様です。
「Soft Copy Hard Copy」では、これらの構造を探り、整理し、都市の有機的なインデックスを作成しています。
本書は、公共空間、都市構造、再生産に関するケッペルの現在進行中の研究の一環であり、彼自身の写真と、再撮影されたアーカイブ資料、テキスト、その他（オンラインとオフラインの）ファウンド・フッテージを組み合わせたものです。

Ruth Van Beek（ルース・ファン・ビーク）は、写真の視覚的なコードを用いて、たとえその物体が特定できない場合でも、描かれた物体が信じられないほどの希少性や重要性を持つことを見る者に確信させるように導きます。
発見された写真素材の膨大なアーカイブから、彼女は常に変化する方法で画像を配置しています。
1950年代、60年代、70年代の専門書や雑誌を中心に、盆栽の手入れ、サボテンの手入れ、日本の生け花の芸術などを題材にした、奇妙で遊び心のあるコラージュ作品を制作しています。


ヴァン・ビークは、水彩絵の具で描かれた紙の形を切り取ったり、折ったりしながら、イメージの間に不穏さやコミカルさを感じさせる視覚的なつながりを生み出しています。

アメリカのアーティスト Oscar Tuazon（オスカー・トゥアゾン）の作品集です。
「Live」 vol.1は、ルートヴィヒ美術館での新作彫刻作品の大規模な展覧会を中心に開催されます。ロサンゼルスにある作家の自宅の断片をルートヴィヒ美術館の建築物に移植して実物大で再現したこの展覧会は、2つの空間が崩壊し、奇妙な第3の空間を生み出しています。

「Live」 vol.2は、過去5年間の作家の型破りな制作を網羅した写真モノグラフです。
重要な個人の作品、展覧会、大規模なインスタレーションの記録と、作家自身がスタジオで制作した作品の記録を組み合わせ、現在進行形の作品を紹介するユニークな一冊となっています。

Nedko Solakov（ネッコ・ソラコフ）のアートは、多くの点で型にはまりません。
発見された素材を使ったり、絵を描いたり、壁に走り書きしたり、ビデオを使ったりと、まったく異なるメディアを使って作品を制作するソラコフは、秩序の原則やルールを逆手に取り、意図的に偶然や事故を作品に盛り込んでいます。
彼のユーモラスな作品の全貌を紹介するために、カタログ『All in Order, with Exceptions』は、4つの会場で1980年から2010年までに制作された作品の中から、各年の作品を1点ずつ選んで展示しているという変わった試みを行っています。

批評家は伝統的に、Paul Klee（パウル・クレー）のアメリカ美術への貢献を「spirit（精神）」の一つに限定し、ニューヨーク・スクールや他の抽象表現主義の画家たちの作品に限定してきましたが、実際には、クレーのアメリカ美術への影響はもっと広範囲に及んでいます。

この研究では、自動ドローイング、カラーフィールド・ペインティング、シンボル、ピクトグラフなどを用いて、クレーの理論と芸術的方法が戦後のアメリカ美術の歴史にどのように貢献したかを明らかにしています。
ジャクソン・ポロック、ロバート・マザーウェル、マーク・トビー、ジーン・デイヴィス、ケネス・ノーランドといったおなじみのアーティストから、ウィリアム・バジオーツ、ノーマン・ルイス、セオドア・ステイモス、ブラッドリー・ウォーカー・トムリンといったあまり知られていないアーティストまで、10人のアーティストを紹介しています。

コンセプト・アートの先駆者であるアメリカのLawrence Weiner（ローレンス・ウェイナー）は、彫刻の概念を拡張しました。
ウェイナーによれば、芸術作品やインスタレーションが実際に実現されるかどうかは重要ではないといいます。
テキストを読んだ人が、自分の頭の中でどのように作品を実現するかは、テキストを読む人次第なのです。
本書 『Nach Alles/After All』は、ベルリン・ドイツ・グッゲンハイムの依頼による作品であり、主に展覧会の壁に書かれた二重言語の碑文からなるインスタレーションのための図面、テキスト、計画が掲載されています。
この本は、小宇宙と大宇宙の探求に捧げられており、これらの物質が蓄積された後に何が残るのかという問題にも取り組んでいます。

スイスの芸術家Urs Graf（ウルス・グラフ）は、傭兵として雇われ、冒険的な生活を送っていました。彼の名前は、乱闘、暴行、不倫に関連して、法廷記録によく出てきます。
1979年以降、バーゼル美術館では、Kupferstichkabinettに保管されている15世紀と16世紀のドローイングに関するカタログを出版しています。
本書では、ウルス・グラフのドローイング（クリスチャン・ミュラー編）と、Kupferstichkabinett（アニタ・ハルデマン編）に保存されている版画、絵画（1485-1527/28年頃）、現存するガラス画、金細工師の作品、ウルス・グラーフが制作したコインなども掲載されています。

第二次世界大戦中から戦後にかけて、デンマークの画家Asger Jorn （アスガー・ヨルン）とアメリカの画家Jackson Pollock（ジャクソン・ポロック）は、新しい抽象表現主義美術の発展に大きな役割を果たすようになりました。
ポロックは Peggy Guggenheim's gallery で初個展を開催した1943年頃に独自のスタイルを確立し、ヨルンは CoBrA グループの設立につながる共同作業の基礎を築きました。
いずれの場合も、このことが信じられないほどエネルギッシュで原始的な絵画を生み出しました（ただし、ヨルンはポロックよりも具象的な要素を保持していました）。